As my personal contribution to this topic, I would like to remind you of the recently deceased Irish-American artist, writer, and theorist of the “white cube,” Brian O’Doherty (1928 – 2022), whose extended concept of work and artist I have been dealing with for many years. His name comes up above all when talking about the function of the exhibition space in the twentieth century. It is less well known that O’Doherty has dealt with the concept of the persona throughout his life, has used several alter egos and has published and exhibited in their name. In 2011, when he made various aspects of his identity public to members of the American Irish Historical Society in his Thomas Flanagan Lecture in New York, he emphasized that the “adopted names all did something,” as they have allowed him to “shrug off the cloak of selfhood” and respond to social issues from “from another angel of perception.” As an artist, he authorized his work as Patrick Ireland from 1972 in protest against the United Kingdom’s Northern Ireland policy until the formation of a Northern Ireland regional government and the restoration of peace in Northern Ireland. In 2008, he laid his alter ego to rest as part of a performance in the park of the Irish Museum of Modern Art in Dublin. Other personae of O’Doherty include the art critic Mary Josephson, the linguist Sigmund Bode, and William Maginn, a kind of nineteenth century doppelganger who also published under the name Morgan O’Doherty. In 2007, Brian O’Doherty completed his last novel, published in 2014 under the title The Crossdresser’s Secret, about a historically documented transgender character. The main character is Charles-Geneviève-Louis-Auguste-André-Thimothée d’Éon de Beaumont (1728 – 1810), better known as Chevalier d’Éon. Bringing together different voices was also decisive for his journalistic work. In 1967, O’Doherty was responsible as editor for an issue of Aspen Magazine, which appeared in the form of various (print) media in a box. The box contained artistic, literary, musical and scientific contributions by George Kubler, Susan Sontag, Samuel Beckett, William S. Burroughs, Alain Robbe-Grillet, John Cage, Morton Feldman, Tony Smith, and Marcel Duchamp, among others.

Describing Natalie Portman as a conceptual artist is probably not completely wrong. In contrast to the first generation of conceptual artists, whose plans, concepts, and ideas for art fundamentally changed both the concept of the artwork and the museum, Natalie Portman, who belongs to the generation of grandchildren, creates reality-based situations. I understand The Name Thing and Natalie Portman’s artistic method in general, following the artist Michael Asher (1943 – 2012), as a work that, in the sense of institutional critique, does not use the exhibition to present studio works, but precisely the other way around, to create situations that direct the viewer’s gaze outwards, into the non-museum space of experience. With these work proposals, in which the artistic object moves into the background and the performative form of possibility into the foreground, Natalie Portman succeeds in showing and at the same time making it possible to experience the form in which fiction, speculation, and the imaginary are dimensions of the everyday.

Roman Kurzmeyer


Paula Henrike Herrmann studied from 2016 to 2018, and Philémon Otth and Arnaud Wohlhauser from 2015 to 2017, in the Master of Fine Arts at the Institute Art Gender Nature HGK Basel FHNW. The Name Thing was conceived as an exhibition in several chapters. The project was first shown at the CAN Centre d'Art Neuchâtel, in 2022, and is now presented in a new constellation at der TANK in Basel.

Ajmal Shifaz, artist
On names as a form of emancipation

Rosita Fibbi, sociologist
On names in structural racism

Francesco Cagnin, artist
On names as punishment

Helen Ruppert, midwife
On names as destiny

Martina Heer, linguist
On names as social conventions

The exhibition by Natalie Portman is the twelfth project of a series of exhibitions initiated in 2017 that presents commissions of former students and lecturers of the Institute Art Gender Nature HGK Basel FHNW. Previous exhibitions include Renée Levi: TINA TANK (2023); Sergio Rojas Chaves: Green Thumb Syndrome and Marie Matusz: Vultures (both 2022), Gil Pellaton: Woo-hoo the chimeric we and René Pulfer: (soir) & (matin) in 2021, Our Common Space: Tiphanie Kim Mall, Mia Sanchez, Valentina Stieger (2020), Louise Guerra Archive: Keine richtige Schule and Kaspar Müller: Rendering of service in the pitch of the bruise (both 2019), Jürg Stäuble & Hannah Villigerand Kasia Klimpel – Berge (both 2018), and Werner von Mutzenbecher – 8/1/D999R (2017).

Als meinen persönlichen Beitrag zu dieser Thematik möchte ich an den kürzlich verstorbenen irisch-amerikanischen Künstler, Schriftsteller und Theoretiker des «White Cube», Brian O’Doherty (1928 – 2022), erinnern, mit dessen erweitertem Werk- und Künstler:innenbegriff ich mich seit vielen Jahren auseinandersetze. Sein Name taucht vor allem dann auf, wenn von der Funktion des Ausstellungsraums im 20. Jahrhundert die Rede ist. Weniger bekannt ist, dass sich O’Doherty zeitlebens mit dem Konzept der Persona befasst, mehrere Alter Egos verwendet und in deren Namen publiziert und ausgestellt hat. 2011, als er in New York vor Mitgliedern der American Irish Historical Society in seiner Thomas Flanagan Lecture verschiedene Aspekte seiner Identität öffentlich machte, betonte er, dass die «angenommenen Namen alle etwas bewirkt haben», da sie ihm ermöglicht hätten, den «Mantel des Selbstseins abzustreifen» und auf gesellschaftliche Themen aus «einem anderen Blickwinkel zu reagieren». Als Künstler autorisierte er seine Arbeiten ab 1972 aus Protest gegen die Nordirlandpolitik des Vereinigten Königreichs bis zur Bildung einer nordirischen Regionalregierung und der Wiederherstellung des Friedens in Nordirland mit dem Namen Patrick Ireland. 2008 trug er sein Alter Ego im Rahmen einer Performance im Park des Irish Museum of Modern Art in Dublin zu Grabe. Weitere Personae von O’Doherty sind die Kunstkritikerin Mary Josephson, der Linguist Sigmund Bode und William Maginn, eine Art Doppelgänger aus dem 19. Jahrhundert, der seinerseits auch unter dem Namen Morgan O’Doherty publizierte. 2007 beendete Brian O’Doherty seinen letzten, 2014 unter dem Titel The Crossdresser’s Secret erschienenen Roman über eine historisch verbürgte, transgeschlechtliche Figur. Die Titelgestalt ist Charles-Geneviève-Louis-Auguste-André-Thimothée d’Éon de Beaumont (1728 – 1810), besser bekannt als Chevalier d’Éon. Das Zusammenführen von unterschiedlichen Stimmen war auch ausschlaggebend für seine publizistische Arbeit. 1967 zeichnete O’Doherty als Herausgeber verantwortlich für eine Ausgabe des Aspen Magazine, die in Form verschiedener (Druck-)Medien in einer Schachtel erschien. Die Box enthält künstlerische, literarische, musikalische und wissenschaftliche Beiträge unter anderem von George Kubler, Susan Sontag, Samuel Beckett, William S. Burroughs, Alain Robbe-Grillet, John Cage, Morton Feldman, Tony Smith und Marcel Duchamp.

Natalie Portman als konzeptuelle Künstler:in zu bezeichnen, dürfte nicht ganz falsch sein. Im Unterschied zur ersten Generation der Conceptual Art, deren Pläne, Konzepte und Ideen für Kunst sowohl den Werkbegriff als auch das Museum grundlegend verändert haben, schafft Natalie Portman, die der Generation der Enkel:innen angehört, allerdings realitätsbezogene Situationen. Ich verstehe The Name Thing und generell Natalie Portmans künstlerische Methode in Anlehnung an den Künstler Michael Asher (1943 – 2012) als Arbeit, die im Sinne der Institutionskritik die Ausstellung nicht nutzt, um Atelierarbeiten zu zeigen, sondern gerade umgekehrt, um Situationen zu schaffen, die den Blick der Betrachter:innen nach aussen, in den nichtmusealen Erfahrungsraum lenken. Mit diesen Werkvorschlägen, in denen das künstlerische Objekt in den Hintergrund und die performative Möglichkeitsform in den Vordergrund rückt, gelingt es Natalie Portman zu zeigen und zugleich erfahrbar zu machen, in welcher Form Fiktion, Spekulation und das Imaginäre Dimensionen des Alltäglichen sind.

Roman Kurzmeyer

Paula Henrike Herrmann studierte von 2016 bis 2018, Philémon Otth und Arnaud Wohlhauser von 2015 bis 2017 im Master of Fine Arts am Institut Kunst Gender Natur HGK Basel FHNW. The Name Thing wurde als eine Ausstellung in mehreren Kapiteln konzipiert. Das Projekt war zuerst 2022 im CAN Centre d’Art Neuchâtel zu sehen und wird nun in einer neuen Konstellation im TANK in Basel gezeigt.

Ajmal Shifaz, Künstler:in
Über Namen als Form der Emanzipation

Rosita Fibbi, Soziolog:in
Über Namen im strukturellen Rassismus

Francesco Cagnin, Künstler:in
Über Namen als Bestrafung

Helen Ruppert, Hebamme
Über Namen als Schicksal

Martina Heer, Linguist:in
Über Namen als soziale Konventionen

Die Ausstellung von Natalie Portman ist das zwölfte Projekt einer 2017 begonnenen Reihe mit Arbeiten von ehemaligen Studierenden und Dozierenden des Institut Kunst Gender Natur. Zu den vorangegangenen Ausstellungen gehören Renée Levi: TINA TANK (2023); Sergio Rojas Chaves: Green Thumb Syndrome and Marie Matusz: Vultures (beide 2022), Gil Pellaton: Woo-hoo the chimeric we und René Pulfer: (soir) & (matin) (beide 2021), Our Common Space: Tiphanie Kim Mall, Mia Sanchez, Valentina Stieger (2020), Louise Guerra Archive: Keine richtige Schule und Kaspar Müller: Rendering of service in the pitch of the bruise (beide 2019), Jürg Stäuble & Hannah Villiger und Kasia Klimpel – Berge (beide 2018), und Werner von Mutzenbecher – 8/1/D999R (2017).